Est-ce une œuvre pour les enfants ? Pour les philosophes ? Ou pour les fous qui sont peut-être l’un et l’autre ? C’est en tout cas un prétexte à se jeter dans un univers imaginaire, avec un serpent et des petits oiseaux, un trio de fées et une reine cruelle, des esclaves sombres et des porteurs de lumière (qui sont peut-être des illuminés), un gentil (et beau) prince, une princesse jolie comme un cœur, un garçon rigolo et une fille qui irait bien avec, des péripéties, des rebondissements, des coups de théâtre, des moments de charme, de rires, de sourires ou de frissons… Ici, on est plongé dans un univers à la fois drôle, joli et intelligent, une sorte de revue de music-hall pour les spectateurs de 7 à 107 ans, avec des énigmes sans vraies réponses, une action déplacée dans un grand hôtel viennois, singulièrement ses cuisines, recréées avec une poésie cartoonesque et propre à la surprise, à l’émerveillement et même à la réflexion sur la condition des femmes, au rythme de la plus belle musique du monde, celle de Mozart.
Dans les années 1830, à l’époque de la Restauration, Julien Sorel, jeune homme irrésistible de 18 ans, connaît une ascension fulgurante. Protégé par l’abbé Chélan, il s’introduit dans le monde de l’aristocratie au cœur des luttes de pouvoir. Le Rouge et le Noir est le récit d’une vie tumultueuse, où l’amour se révèle la plus dangereuse des passions. Madame de Rênal et Mathilde de La Mole entraînent le héros dans les méandres d’un XIXe siècle où désir, politique et religion sont la toile de fond d’une étude de caractères enlevée. Dans des décors et costumes fastueux qu’il a lui‑même imaginés, Pierre Lacotte, à qui l’on doit la reconstitution de La Sylphide, Paquita ou encore Coppélia, propose une création entièrement nouvelle à partir du roman de Stendhal, accompagnée par un florilège musical de Jules Massenet.
Dans cette production créée pour le Ballet de l’Opéra national de Paris en 1984, Rudolf Noureev fait le choix d’une dramaturgie puissante. Faste et violence, truculence et beauté se mêlent, restituant la passion du drame de Shakespeare. Suivant scrupuleusement la partition de Serguei Prokofiev, elle-même au plus près de la pièce de théâtre, le chorégraphe livre une version de Roméo et Juliette dans laquelle « le jeune garçon devient homme » face à une Juliette passionnée qui, à peine sortie de l'enfance, entre elle aussi tragiquement dans l'âge adulte. Mais cet amour ne peut se dire au grand jour car leurs familles respectives, les Montaigu et les Capulet, se vouent une haine ancestrale... Inspirés de la Renaissance Italienne, les somptueux décors et costumes d'Ezio Frigerio et Mauro Pagano nous transportent dans une Vérone soigneusement reconstituée.
Après Blanche Neige et Roméo et Juliette, Angelin Preljocaj renoue avec le ballet narratif et son goût pour les histoires. Mêlant le chef-d’œuvre musical de Tchaïkovski à des arrangements plus contemporains comme il aime à le faire, il s’empare du mythe de la femme-cygne. En hommage à Marius Petipa, il se projette dans l’imaginaire du chorégraphe avec l’idée de ce nouveau Lac des cygnes. Odette est une jeune fille sensible aux questions environnementales. Un soir où elle flâne au bord du lac des cygnes, elle se retrouve nez à nez avec Rothbart, un entrepreneur véreux et sorcier à ses heures. Celui-ci a découvert un gisement d’énergie fossile aux abords du lac et cherche à exploiter ces terrains. Mais confronté à la jeune fille, dont il craint qu’elle ne contrecarre ses plans, il use de ses pouvoirs et la transforme en cygne. Pendant ce temps, au siège d’une entreprise spécialisée dans la vente de plates-formes de forage, le PDG et sa femme dévoilent la maquette d’un nouveau modèle d’usine. Durant les festivités, Siegfried, le fils du PDG, comprend que le projet de la nouvelle usine est destiné à s’implanter au bord du lac…
Les Noces de Figaro compte parmi les opéras les plus emblématiques du répertoire. Brahms en parlait comme d’un « miracle » et la plainte de la Comtesse résonne encore aujourd’hui comme une des pages musicales les plus déchirantes. En reprenant la comédie de Beaumarchais qui fut à l’origine d’un scandale qui mit en émoi toute la société parisienne, Mozart et Da Ponte s’assuraient leur réussite. La pièce avait même été interdite par Joseph II en 1785 au Théâtre de Vienne. Devait-elle trop exposer sur le devant de la scène les contradictions d’un régime déjà vacillant, prêt à sombrer avec la Révolution française ? La nouvelle production de Netia Jones conserve l’essence même de la pièce de Beaumarchais en questionnant avec humour mais non sans espièglerie les rapports humains, dans une production qui vient confondre réalité et fiction au point de se demander, comme le Comte : « Jouons-nous une comédie ? »
Dans cette pièce conçue pour le Ballet de l’Opéra en 1994, le chorégraphe Angelin Preljocaj réussit un subtil équilibre entre souffle classique, porté par la musique de Mozart, et modernité de son langage chorégraphique. Les décors ciselés évoquent l’élégance et la délicatesse des jardins « à la française » et les costumes s’inspirent de ceux du siècle des Lumières. Évoluant au gré d’une carte imaginaire du Tendre, guidés par d’étranges jardiniers, les danseurs s’éveillent à l’amour, de la rencontre aux jeux de séduction, de la timidité à l’attirance, de la résistance à la douceur de l’abandon dans l’envol d’un sublime pas de deux. Aujourd’hui encore, cette œuvre intemporelle interroge le cheminement des sentiments et explore les codes amoureux.
Enchanter son époque. Telle pourrait avoir été la volonté de Jules Massenet en mettant en musique le récit de Charles Perrault. Avec Cendrillon, le compositeur livre une œuvre parmi ses plus séduisantes, qui diffère des autres adaptations lyriques du conte. La malicieuse Lucette et les femmes qui l’entourent dictent à l'œuvre sa tonalité, dont les nombreuses nuances valident les mots de Claude Debussy qui voyait en Massenet « l’historien musical de l’âme féminine ». En conférant à la fée le timbre irréel de colorature, en travestissant le rôle du prince chanté par une soprano, le compositeur nous offre un festival vocal porté par une orchestration panachée, oscillant entre finesse mozartienne, citations stylistiques baroques et grandes inflexions romantiques. Pour l’entrée au répertoire de l’Opéra de Paris de Cendrillon, Mariame Clément joue avec la féerie du mythe et réfléchit à la nature profonde des personnages, tout en les affranchissant de leurs étroits costumes et souliers.
Créé à l’Opéra du Caire en 1871 pour célébrer l’ouverture du Canal de Suez, Aida nous plonge dans le fantasme d’une Antiquité reconstituée. Au cœur de l’intrigue, un choix impossible entre l’amour et le devoir patriotique : une princesse éthiopienne captive et un militaire égyptien trahissent leur peuple et défient une puissante rivale, s’unissant jusqu’à la mort. Marquée par le contraste entre un spectacle démesuré et la transition vers une dramaturgie de l’intimité, la partition de Verdi réussit à distinguer le drame intérieur de ses protagonistes de l’imposant cadre historique. L’œuvre réunit les thématiques chères au compositeur : la nostalgie de la patrie perdue, la délivrance par la mort, l’opposition entre un présent décevant et un ailleurs idéalisé, le poids des pouvoirs religieux et politiques, éléments régulateurs d’un monde conçu comme un piège. La metteure en scène hollandaise Lotte de Beer, pour ses débuts à l’Opéra national de Paris, choisit de porter un regard critique sur la représentation européenne des peuples colonisés, nous incitant à repenser notre rapport aux productions esthétiques du passé et du présent.
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